miércoles, 24 de agosto de 2011

iconoclasistas





Nuestra práctica

Consideramos la comunicación como una práctica política desde la cual crear recursos gráficos orientados a establecer rupturas en las significaciones, como forma de resistencia e influencia en el imaginario social, pero también como propuesta de cambio y de transformación.

Los medios masivos son una de las formas más poderosas de la comunicación y configuran la realidad mediante imágenes anestesiantes y falsamente inofensivas que nadie cuestiona. Intentamos enfrentar esa legitimidad a partir de un contrapunto que revele la estrategia en la construcción (interesada) de significaciones. Queremos romper la imagen empobrecida que surge del decorado espectacular de los medios mediante la cual se busca reparar simbólicamente las inequidades sociales, y en ese camino, colocar al observador en una posición sumisa. Ansiamos recuperar la comunicación, entendida en un amplio sentido, como impulso de un pensamiento crítico que desestabilice las representaciones hegemónicas, inquietando todos los sentidos.

En la batalla política la dimensión estética y simbólica no debe ser descuidada. Porque vivimos en una sociedad regida por una “cultura del miedo” visible en aquellos/as que rehúyen el contacto con los demás. Porque la realidad es una construcción social donde siempre es posible colar nuevas significaciones que articulen afinidades. Porque lo real se percibe mediante relaciones tornándose acuciante la elaboración de una práctica política que mediante recursos creativos promueva una conmoción que motive a la acción. Y porque la “estetización de la política” nos obliga a recuperar una ética de la imagen que funcione, y a la vez posibilite, actitudes de compromiso renovado frente a una realidad que consideramos injusta.

La práctica iconoclasista nos conduce a preguntarnos ¿cómo organizar el pesimismo por medio de imágenes iluminadoras? Una posible respuesta la pensamos en el ejercicio de revelar problemáticas, mostrando conexiones y responsabilidades, con el objetivo de denunciarlas por medio de representaciones gráficas que potencien la organización de prácticas transformadoras. Otra, relacionada con la anterior, estaría enlazada al hecho de poner la conciencia reflexiva al servicio del cambio, desnaturalizando panoramas de desigualdad e injusticia mediante una práctica que no apuesta a la parálisis por la angustia sino que se impulsa a partir de un conocimiento crítico que nos impele a ser creativos a la hora de gestar alternativas emancipatorias.

Estimulamos un vínculo entre palabras e imágenes que amamante una mirada dialógica habilitando una estrategia que permita formas variadas de difusión. La imagen es un medio de representación de la realidad y también es un medio de conocimiento de ella. Al considerar que lo visual puede proveer un modo de comprensión ampliada de la vida social, se nos revela la necesidad de trabajar desde una “política de la mirada” que de paso a la reflexión crítica.

Por eso pensamos a iconoclasistas como un “laboratorio”, entendido como un espacio donde el despliegue imaginativo activa la creación política y permite un cómodo desplazamiento entre diferentes formatos, dispositivos y escenarios, a fin de modelar herramientas de investigación y diseño gráfico que impulsen prácticas colaborativas de agitación y resistencia. Todas nuestras creaciones están liberadas de las ataduras que impone el copyright, para ser travestidas y volver con un sentido más profundo.

  • Correo: iconoclasistas@gmail.com

Desde iconoclasistas activamos formas de cuestionamiento a la hegemonía simbólica e ideológica impulsando estrategias creativas de resistencia liberadas de los límites que impone la privatización de los conocimientos.

No hay peor fascista que un burgués asustado*

El protagonismo de la clase media en el sostenimiento y propagación de este discurso es innegable. Este sector social, cuya definición no estaría acotada sólo a categorías económicas sino que también se enraíza a toda una forma de ser, pensar, sentir respecto al mundo y a los demás; ha presionado para que se efectúen cambios en el régimen judicial, decretando que solo con cárcel, mano dura y represión se podrá acabar con “la inseguridad”. Este discurso, que ha probado ser marcadamente ineficaz en la lucha contra el delito, opera eficazmente para justificar el gatillo fácil, la coacción por portación de cara o color de piel, y la persecución a los sectores ya de por si castigados por la falta de trabajo, vivienda, educación o salud.

La clase media está asustada, le aterra pensar que podría perder los objetos que con tanto esfuerzo consiguió y, con ello, el status que le brindan. Es esta “seguridad de los objetos” la que le otorga una identidad definible y destacable por encima de otros. Por eso la pobreza es la cristalización de su amenaza mas próxima, no sólo por encarnar la posible pérdida de bienes sino también de lugares sociales. El medio pelo desprecia la “chusma” y el mercado la responsabiliza de su situación, adjudicándole un fracaso que en realidad proviene de las inequidades desatadas por el neoliberalismo. Para todos, la clave del éxito consiste en alcanzar los ideales de éxito, belleza y felicidad que ofrece el mercado a través de la publicidad. De esta manera el hedonismo más básico no se basa en la diferenciación (aunque predique lo contrario) sino en la masificación de una subjetividad tilinga y consumista que en su derrotero se cree única.

* La cita corresponde a Bertold Brecht

Convocatoria abierta: Re-tratos para más derechos!

Te invitamos a participar de esta propuesta que permitirá dar a conocer, en un paneo general, la diversidad de luchas de estos nuevos tiempos latinoamericanos!

Mirá las temáticas y el estilo que estamos usando y envianos:

• Un título o consigna afirmativa (extensión entre 35 y 50 caracteres incluyendo espacios)

• Un texto que comience con “Tenemos derecho a…” (extensión entre 120 y 140 caracteres incluyendo espacios)

Si querés también podés enviarnos un rostro (una foto puede ser) que muestre la alegría de la lucha. Nosotros/as le daremos un diseño y serán puestos en libre circulación en la web e impresos en formato sticker para su distribución.

Priorizaremos las propuestas más representativas y de temáticas que no estén contempladas en los 12 diseños previos. Asimismo nos reservamos la posibilidad de modificar y/o corregir los textos para que correspondan al formato ya utilizado y les brinde pertenencia a la campaña.

Los re-tratos fueron enviados por Ana Ruiz de Mar del Plata, Griselda Pais de Concepción del Uruguay, Beto Pianelli y Néstor Segovia de Metrodelegados, Juancho Quintero de Bahía Blanca y Canela Gavrila de La Plata . A todo/as muchas gracias!!!!

Escribinos a iconoclasistas@gmail.com.

Agit 2.0!
Desde iconoclasistas activamos formas de cuestionamiento a la hegemonía simbólica e ideológica impulsando estrategias creativas de resistencia liberadas de los límites que impone la privatización de los conocimientos.


"baje use y agite!"

sábado, 20 de agosto de 2011

LULI

Participó el 8 de mayo en la 3ª FLIA, Feria del Libro Independiente y Autogestivo. Fue con sus tipas móviles para estampare parches y remeras. En la revista de la FLIA publican unas preguntas a LULI:

Este grupo, que estuvo estampando cientos y cientos de remeras, camperas, buzos, pantalones, Bolsos y otras prendas en las dos FLIAs platenses y también en esta, ahora se presenta:
LULI está haciendo intervenciones desde mediados de 2009. Es un grupo que nace en una atmósfera particular que viene creciendo en la ciudad de La Plata desde 2006. En ese clima se conformaron una suerte de movimiento de grupos heterogéneos que centran sus acciones en la voluntad de encontrar formas de comunicación que confronten con las establecidas. Que confronten con la forma de hablar al momento de insertar un discurso en el espacio público, distanciándose del texto interminable de un panfleto que no habla más que a sí mismo, como frente a la espectacularización de la política donde el contenido no importa.
En ese clima LULI se da forma, y es desde ese lugar que busca también moverse, cuestionando los lugares comunes de nuestras propias prácticas.
En su conformación, LULI, buscaba recuperar un espacio afectivo, un espacio de micropolítica, al momento de discutir la marea en la que estamos inmersos.
Hoy LULI se encuentra pensando intervenciones en web, en tele, en gigantografías, en stikers, en paredes. Realizó intervenciones por Julio López, por la lucha de Kraft, en PAPA NEGRA TV, contra el Código Contravencional de Scioli, por el derecho al aborto, entre otras. A veces abundan las imágenes, a veces son sólo texto. No hay una receta a priori que le sirva, más bien en cada situación se buscan los modos apropiados de crear un acontecimiento, por más mínimo que sea, una recuperación del poder de agenciamiento, una intervención.
No pasó tanto tiempo, pero si algo se acumuló en esta etapa es un buen compendio de preguntas. LULI hoy es un intento de convivir con resoluciones parciales a esas preguntas: ¿Cómo no replicamos lo que estamos criticando? ¿En qué reside la efectividad de una intervención? ¿En la masividad, en su comunicabilidad, en su radicalidad o en las relaciones afectivas que provoca? ¿Cómo conviven estos problemas? ¿Cómo convivimos con estas búsquedas?
LULI viene participando de las FLIAs de La Plata con sus tipas móviles, unos grabados hexagonales que se pueden ordenar de distintas maneras, que aún en sus diferencias forman una imagen común. LULI ve la FLIA LP como un espacio que florece en otoño. La ve como una propuesta asombrosa, donde conviven diferentes tuppers, gente que viene con caminos cercanos pero que muchas veces no se cruzan. Esos cruces, esas relaciones humanas, ese conocerse sentándose a charlar entre todos y decidiendo en una ronda es en sí la obra. Por eso puede ser un laboratorio de cooperativismo, puede redefinir qué es un libro y quién puede escribir en sus hojas, puede ampliar su propia idea… más allá de que tenga un puesto más o un puesto menos.
Cuestionario que formularon para el encuentro “La calle es nuestra” en Córdoba 2010
- ¿Cómo esta conformado el grupo?
LULI en sí es mínima pero cuenta internamente con una red de asociados, “consultores externos”, quienes según la acción que se va a desarrollar, leen, critican, aportan de distintas maneras. Estas maneras son esenciales para tener una visión amplia de las acciones tanto como para llevarlas a cabo.
LULI está conformada por distintas divisiones desde las cuales se piensan, según el caso, las acciones con una cierta autonomía. Por ejemplo: LULI’ Kids es la primer división creada, y si bien aborda temas recurrentes en LULI, lo hace respetando la lógica propia de los dispositivos que operan en el mundo kids.
- ¿Cuánto tiempo llevan trabajando?
LULI viene trabajando desde el 12 de septiembre de 2009, es decir, prácticamente un año.
- ¿Cómo se organizan?
LULI se organiza de forma básicamente horizontal. Es un ESPACIO donde todas las opiniones cuentan por igual. Pero no tiene tiempo: en LULI no hay reuniones pautadas. Esto es: las decisiones se toman de forma consultiva en la medida que surge la necesidad de resolver cuestiones. Para mantener esta dinámica priorizamos una comunicación fluida. Nuestro lugar de encuentro es, principalmente, internet.
- ¿Cuáles son los objetivos del grupo?
LULI tienen como principal objetivo “la construcción de la realidad”. Cuando un dedo señala… LULI mira principalmente el dedo: el dispositivo que hace posible señalar. Dispositivos en los que participamos, de una forma u otra, sin exterioridad, casi desde adentro. Este pensarse inmersos en la realidad hace que cada intervención nos involucre como personas. Intentando cuidar no solo los fines de la macro política (para qué el dispositivo) sino también la red de afectos que envuelven a todos los que participan de una acción, la micro política (como construimos ese dispositivo).
- ¿En que espacios desarrollan las actividades (museo, calle, etc.)?
LULI no tiene un espacio a priori. Frente a una coyuntura explora los dispositivos que puede abordar.
- ¿Articulan con otros grupos, organizaciones, etc.?
LULI se encuentra inmersa en una red de relaciones con otros grupos y personas: se tensan, se contraen, y a veces se rompen, en función del abordaje propuesto ante una coyuntura determinada. De forma directa o indirecta, LULI es posible por esa red que a su vez se mantiene constantemente en movimiento.
Buscando a Julio López (Aplicación para Facebook)

¿Se puede buscar justicia a través del juego y del color?
Julio López en las marchas, los volantes, los murales. Cuatro años de marchas buscando justicia. Este juego explora formas de ubicar el reclamo en espacios donde tradicionalmente no ingresa. De vincularlo con sensibilidades desde las cuales ampliar el registro militante.
Otro mes sin Julio López: nueva versión de Buscando a Julio López
Después del cuarto aniversario de la segunda desaparición de Julio López, hoy se cumple otro mes. Desde el primer día hasta la fecha, de distintas maneras, se ha buscado transformar el reclamo en justicia, ya sea con la búsqueda de aparición con vida o a través de la exigencia de encontrar a los responsables.
Como tantos otros, LULI’Kids renueva el pedido una vez más actualizando su aplicación en Facebook e incorporando a la misma más información sobre la causa y sobre Julio López.

LULI’Kids: ¿es esto una banalización? – Buscando a Julio López.

20 de septiembre de 2010
Algunas amigas preguntaron: “¿Es esto una banalización de la lucha por Julio López?”
La intención no es BANALIZAR la lucha por justicia por Julio, creemos que la propia dinámica del juego lo muestra, porque: banalizar es algo sin contenido, hecho a la ligera, común. El juego tiene atrás un desarrollo, tanto de investigación sobre el uso de aplicaciones en facebook -que generalmente usamos pasivamente, o relegamos al sistema- tanto como de investigación sobre el devenir de la causa. Paso a paso, la interacción con la aplicación te va narrando las instancias del reclamo. Un ejemplo de interacción con el juego:
A su vez la información aperece en función a tu propia interacción y te permite compartirla, si lo crees pertinente, con todos tus contactos. Esto le da un efecto de propagación que permite extender la información puntual del reclamo con un efecto bola de nieve.



Bola de nieve.
Lo que intentamos, a contramano de nuestro propio mandato militante, es: a una imagen repetida mil veces (y que pensamos seguir repitiendo), a un nombre que a veces es reducido a una consigna (aunque pensamos seguir diciéndola) intentar sumarle información concreta de la causa. Tratar de TRADUCIR contenidos, que si bien están en documentos y se lee en actos, tenemos la sensación que no se escucha. No estamos diciendo con este juego que lo estemos logrando sino que lo intentamos.


Transposición de medios, cruces.
Entonces nuestra pregunta es: ¿cómo hacer para que además de la imagen de López llegue a otros el contenido de la causa? Pensamos como primer medida correrla del lugar común donde el discurso se naturaliza a fuerza de repetir el dispositivo. Hablar de otra forma a otros destinatarios, más allá de la mistica de la marcha. Y esto intenta el juego … te cuenta el devenir de la causa. Y siendo un dispositivo “juego” lo primero que tiene que evitar es que quién lo vea diga: “ya se lo que me va a decir”. Está claro que no es una acción artística. Puede ser que nuestra estrategia no sea la adecuada, pero obviamente nos arriesgamos a que nos cascoteen las amigas con tal de explorar formas de comunicación e interacción que permitan al reclamo darse en otros lugares donde NO esté naturalizado. Que no se entienda mal, nosotras también vamos a las marchas, marcha tras marcha, e imprimimos el rostro de López muchisimas veces.


Transposición de medios, cruces.
Ahora, si la acción parece una DESACRALIZACIÓN, valga el termino, de la figura de Julio, en ese caso es cierto. Nosotras estamos en contra de la “procerisazión”, de poner a las personas como héroes inalcanzables completamente diferentes al resto, caso del CHE, porque suele ser una forma de neutralizar, justamente, la potencia de su figura (esto lo contamos en la intervención por Bariloche).


Banner del juego. Diagonal 73 y 4. La Plata
Pensamos que López, en todo lo terrible del caso, tiene que ser algo de todos los días y entrometerse en todas las cosas de nuestra vida, también en los juegos, mientras el precio no sea perder el contenido del reclamo. Tratar de llevar el reclamo a otras partes como algo que pueda ser abordado de otras formas, nos parece importante. Pensamos que con las cosas -pequeñas de por sí- que hicimos desde LULI en estos cuatro años, no logramos aportar demasiado. Pensamos que es urgente repensar los dispositivos aún al precio de equivocarnos.


Contexto discursivo. Diagonal 73 y 4. La Plata
Con relación a la eficacia de los dispositivos asumidos, es esa la búsqueda que intentamos: nuevas formas de incidir y cambiar la realidad construida socialmente, con toda la heterogeneidad que encontramos en los distintos medios. Con relación a la efectividad, tanto en el MURO de la diagonal 73 y calle 4 (físico, tangible) como en el MURO de Facebook (virtual, etéreo), nos resulta imposible saber cuánta gente lo percibió en la calle o lo compartió en su perfil de Facebook; podemos a lo sumo acercar las estadísticas de interacción con el juego entre los días 18 y 19 de septiembre, según el siguiente detalle:
  • Lo vieron y compartieron: —
  • Pusieron me gusta: 279 usuarios únicos
  • Click hasta la portada del juego: 950 usuarios únicos
  • Instalaron la aplicación: 572 usuarios únicos
  • Se publicaron a través de la aplicación: 1773 post con información de la causa.

EL PESO DEL DOLOR, ENTREVISTA A REGINA JOSÉ GALINDO

Trabajos de extrema radicalidad sitúan a la guatemalteca Regina José Galindo - galardonada con el León de Oro, a la mejor artista joven en la pasada versión de la Bienal de Venecia (2006)- como una de las artistas contemporáneas más destacadas dentro de la escena latinoamericana y con una fuerte presencia en la escena internacional.

“El peso de la sangre” (Plaza Central. Ciudad de Guatemala, Guatemala. 2004)
Regina José Galindo mide aproximadamente un metro cincuenta de estatura y es extremadamente delgada. Esta performera y poeta tiene algo más de treinta años pero luce la apariencia de una adolescente. En el video de registro de una de sus obras, se la ve entrar a la galería Prometeo (Milán, Italia) vestida de riguroso negro, falda hasta la rodilla y un beatle que le cubre todo el torso. Parece una joven viuda. No hay maquillaje en su cara, no hay escote, no hay tacos, ni medias, ni nada que ornamente la escena compuesta apenas por una silla. Se sienta, desenvaina una cuchilla pequeña, descubre hasta la mitad del muslo su pierna derecha y entierra el arma en su carne hasta que la sangre comienza a botar, primero bajo la forma de pequeñas perlas rojas y luego formando surcos que poco a poco van dibujando la palabra PERRA. La operación, en su totalidad no demora más de 15 minutos pero uno quiere que acabe pronto. Luego de la primera letra, la mano le tiembla, se detiene unos segundos, toma aliento y prosigue. La cámara permite ver que también cómo tiemblan los músculos de la pierna herida. La cabeza gacha no deja ver el rostro de la artista, pero el dolor no solo se adivina, sino que se ha instalado en la retina y en la sensibilidad de quienes presenciamos la pieza, en vivo o en video.
“Perra" 2005. Prometeo Gallery de Ida Pisano. Milano, Italia.
Esta obra, como otras que componen su intensa trayectoria, hablan del dolor, la violencia y la hipocresía de una manera radical. Su meteórica carrera en las artes visuales se inicia a fines de los 90 y es consagrada el 2005 con un León de Oro a la mejor artista joven en la recién pasada versión de la Bienal de Venecia, con una performance compuesta por 279 golpes autoinflingidos, cada uno por cada mujer asesinada en Guatemala durante el primer semestre del 2005. Regina José no metaforiza, no representa, no gira en torno a los temas que le interesan, sino que los pone en escena rotundamente, ocupando para ello su cuerpo y su capacidad de acción. Y es que el dolor, como la violencia, han sido la marca de nacimiento de esta artista que gestó su universo creativo en medio de una de las guerras más cruentas y largas de la historia de Latinoamérica como fue la guerra civil guatemalteca de 34 años de duración. Guerra además caracterizada por manifestaciones de barbarie extremas que se extendieron a la totalidad de la sociedad.
A modo de ejemplo, en “El peso de la sangre”(2004, Guatemala), Galindo recibe sobre su cabeza un litro de sangre humana gota a gota; en “Himenoplastía”, (2004, Guatemala, Exposición Cinismo) se somete a una intervención quirúrgica de reconstrucción del himen para volver a ser virgen; en “No perdemos nada con nacer” (2001, 9 Festival de Performance Ex Teresa Arte Actual, México DF) es depositada dentro de una bolsa de plástico transparente en un basural municipal; en “Proxémica” (2003, Costa Rica) se encierra durante un día y una noche en un cubículo de blocks de cemento colocando el último block ella misma por dentro, para luego salir a fuerza de martillo y cincel. En Limpieza Social, (2006, Galería Civica Nacional, Trento, Italia) recibe un baño con una manguera de las que se usan para disolver manifestaciones.
Estos trabajos la sitúan a la fecha como una de las artistas jóvenes más destacadas dentro de la escena latinoamericana, con una fuerte presencia en la escena internacional.
-¿Existe para tí en el dolor una experiencia de tipo redentora, que se podría dar en la performance en un sentido religioso?, ¿Dónde estaría la diferencia y la similitud?
No trabajo el tema del dolor desde esa perspectiva. Quizás en el fondo o en el inconsciente existan puntos religiosos, ya que provengo de un país y una cultura que practican la religión y la fe. Me parece que la respuesta sería que yo trabajo con la realidad y la realidad es
dolorosa, por lo menos la que me rodea, yo la reinterpreto y la llevo a otras circunstancias. Yo no hago actos redentores para encontrar mi salvación ni mucho menos. Soy bastante fría y práctica en el momento de la acción. Soy dura ya que lo que me interesa es mostrar el filo de ciertas situaciones que existen, pero pareciera que se mantiene detrás de un velo. No realizo acciones en donde mi cuerpo se vea sometido a un acto de dolor por dolor, de forma gratuita. Todo tiene un por qué, una realidad detrás.
- Con respecto a la sangre, ¿Dirías que es un eje que cruza todo tu trabajo?
No. La sangre está presente en muy pocas obras, si analizamos todas las acciones que he realizado. Me parece que está presente en “El Peso de la Sangre”, que es una acción que habla sobre la violencia imparable en mi país, en cómo el derramamiento injustificado
de sangre pesa sobre todos, cómo todos somos participes y pasivos ante esta realidad.
En otras obras donde aparece sangre, ha sido una consecuencia de la acción, no un elemento simbólico primordial, como en el caso de “Perra” o “Himenoplastia”, donde la sangre fue simplemente resultado de la intervención sobre el cuerpo.
- ¿Que aspectos de los femenino gatillan en ti una obra?
Yo hablo como mujer y mi trabajo está invadido de mi condición, ya que es inevitable. El ser mujer latina, mujer guatemalteca, claro que me marcó y me hizo lo que soy ahora. Todos somos resultado de nuestra historia y nuestro contexto, del espacio y el ambiente en donde nos desarrollamos. Yo solamente he vivido en Guatemala con una problemática muy grande de violencia en general y una violencia de género fuera de todo límite. Durante el conflicto armado, el daño a la población femenina era parte de la estrategia de guerra para infundir temor en la población, porque al matar a una mujer se mataba también la posibilidad de vida. En la actualidad, desde hace unos años, esto ha vuelto a ser parte de la realidad guatemalteca, solo que a mayores índices. Diariamente son asesinadas mujeres de las formas más brutales. Generalmente los cuerpos de los hombres aparecen degollados, con un tiro de gracia, apuñalados, asfixiados, pero el de las mujeres presentan evidencias de haber sido violadas y torturadas, previamente a ser asesinadas.
- Yo creo que tu trabajo es profundamente político aunque se despliegue en la esfera más bien íntima de tu cuerpo…
Cada acción es un intento de mostrar un aspecto de la realidad, son actos que quieren denunciar o cuestionar. Mantengo una actitud crítica y quizás por allí se filtra el término político, no como politiquería, sino como compromiso social. Son pequeños actos de resistencia. El cuerpo individual en confrontación y resistencia como metáfora del
cuerpo global.
fuente de las fotografías: la artista Regina José Galindo
El Peso de la Sangre
Un litro de sangre humana, cayendo gota, a gota, sobre mi cabeza y mi cuerpo.
(foto: Belia de Vico)
(Plaza Central. Ciudad de Guatemala, Guatemala. 2004)

miércoles, 25 de agosto de 2010

Oscar Muñoz (Colombia) por Federico Suhurt

-->Artista Colombiano, nacido en Popayán, graduado en la escuela de Bellas Artes de Cali.

Es un artista caracterizado por la utilización de medios fotográficos y de impresiones mecánicas. En estas obras el autor plantea la cuestión de la identidad, problemas sociales, políticos y sobre la desaparición de personas. 



Narciso



En esta obra Muñoz plantea la problemática del mito griego a través de una pileta con agua sobre la cual dibuja su retrato con una fina capa de polvo de carbón, este comienza a corromperse y deformarse con el correr del agua y su movimiento. Así el autor nos pone en manifiesto un paralelo entre el reflejo de narciso en un poso de agua, que muere ahogado al intentar llegar a el, y la descomposición del retrato de Muñoz, demostrándonos lo vano del amor obsesivo por si mismo. Con esta obra el autor nos plantea, además, que nuestra juventud es pasajera y desvanescente.








Aliento
-->


Son un conjunto de espejos de acero pulido impreso con imágenes invisibles logradas con un medio graso, que al empañarse la imagen se hace visible. Se trata de imágenes de personas que fueron desaparecidas durante persecuciones políticas. Muñoz intenta metaforizar sobre este tema al colocar los espejos para que el espectador, con su aliento, empañe los mismos apareciendo las imágenes y que desaparezcan al irse la humedad, resurgiendo su propio reflejo, nos plantea así la idea de desaparición y olvido, como llegamos a creer que nuestra imagen es superior o primordial que aquel recuerdo.




Re/Trato


Aquí el artista presenta una serie de filmaciones del proceso de creación de unos dibujos (retratos) realizados con pincel y agua sobre cemento. Al pasar el pincel húmedo sobre el cemento este deja una marca la cual perdura unos segundos hasta que el cemento absorba toda la humedad y la marca desaparezca. Al igual que en las anteriores obras, observamos un claro juego de aparición y desaparición, metaforiza así sobre el olvido.


Me resulta un artista altamente interesante y valioso por el logro de sus fuertes metáforas pero sin recurrir a elementos altamente tecnológicos (como sucede en muchos artistas donde se denota un empalagamiento y tentación de lo tecnológico que muchas veces vuelven confuso el mensaje u obsoleto, sin gracia), como crea su obra con elementos cotidianos. En la obra de este artista la materialidad, la consistencia, la fluidez y las cualidades físicas del objeto son sumamente importantes y minuciosamente elegidas. 



 Federico Suhurt

martes, 24 de agosto de 2010

Martín Molinaro (Santa Fe- Argentina) por Amneris Merlo

Artista: Martín Molinaro, artista plástico argentino, nacido el 1 de Febrero de 1971 en Rafaela, Santa Fe

Elegí a Martín Molinaro, porque me interesó mucho la línea que siguen sus trabajos, línea que yo veo como su firma, en todas sus series fotográficas y performances aparece el mismo vestido de rojo. Además le encuentro relación con esta materia, porque en su obra se apropia del espacio, dándole (a mi humilde entender) una nueva significación. Por ejemplo, su serie “Proyecto Akua”, fue realizada en Caracas en un pueblo muy alejado de cualquier centro de arte contemporáneo, allí se instalo frente a la casa de la cultura en cuclillas, vestido de rojo y rodeado por cien regaderas llenas de agua. Esperó hasta que una nena se atrevió y lo mojó regándolo como una planta, luego se animaron los demás espectadores. La acción duró tres horas, hasta que se vació la ultima regadera, cada espectador se llevo su regadera.






Otra de sus obras es “Hombre Rojo”, se trata de una serie de fotografias que registran al artista vestido de rojo, con un portafolios negro, de pie, siempre en la misma posición en diferentes lugares del mundo.



EL HOMBRE ROJO

Ahí está,
es el hombre rojo
¿En que piensa el hombre rojo?
No se mueve
Está de pie…
no avanza 
No retrocede
Tiene sólo una valija
Ahí esta el hombre rojo
¿Qué tiene en que valija?
Esta es su espalda
Así es de perfil
Así es de frente
Estos son sus pies
Ahí esta el hombre rojo
¿Por qué no mueve sus pies?
La mano
La oreja
La frente
Los ojos están abiertos
Ahí esta el hombre rojo
¿hacia donde mira?
Ahora se mueve
Camina
Viene y va y viene y va
No se detiene
¿Qué mueve al hombre rojo?
No habla
Éste es su pie
El otro pie
Ahora mueve su pie
Con su pie juega
Ahora abre su valija
Saca un caballito de madera
Y una alfombra roja
¿Por qué tiene un caballito de madera en su valija?
Se pinta el pie de azul
Ahora salta
Salta
No se detiene
Este es el cubo que tiene en su valija
Así es de frente
Así es de atrás
Así es de perfil
¿Cuál es el sentido del cubo?
Ahora desarma el cubo
Y lo vuelve a armar
Y lo desarma nuevamente
Y lo vuelve a arnar
Y lo desarma
Y lo arma
Y lo desarma
Y lo arma
¿En qué piensa el hombre rojo?
Ahora está quieto.

Esta poesía se encuentra en la página del autor junto a la obra.






Otra de sus series es “Gente Roja”, la idea es la misma que la de “Hombre Rojo”, solo que en esta captura a gente en situaciones cotidianas que se destacan de los demás por estar vestidos de rojo. En este caso en su página junto a esta obra también encontramos un verso que sintetiza la intención de la serie, como en la obra anterior:

Siempre se van.
Y hay días que hay más. Suelo verlas por todos lados. Tengo una colección de gente roja.